BACHATA

MUSICA BACHATA


La bachata es un género musical bailable de la República Dominicana, dentro de lo que se denomina folclore urbano. Está considerado como un derivado del bolero rítmico, influenciado por otros estilos como el son cubano y el merengue.

En la ejecución de la bachata tradicional, las maracas del bolero fueron sustituidas por la güira, se asumió la ejecución virtuosa y libre del bongó propia del son cubano y se incorporaron guitarras al estilo de los tríos latinoamericanos populares en México, Cuba y Puerto Rico.1 En un primer momento a la bachata se la denominaba «bolerito de guitarra».

La bachata surgió en la marginalidad urbana de los bares y burdeles de Santo Domingo. Durante los años sesenta y principios de los setenta, desdeñada como música de las clases pobres, fue conocida como «música de amargue». Este concepto se refería al estado de melancolía provocado por el desamor, siempre reflejado en la temática de sus composiciones. Su difusión por esos años, estuvo limitada a escasas emisoras, ya que era considerada como una música vulgar.

El interés masivo por el ritmo surgió a partir de los años ochenta, con la importancia que alcanzó el ritmo en los medios de comunicación.

Orígenes

El bolero latinoamericano, como expresión musical durante los años treinta, cuarenta y cincuenta, penetró el gusto de los dominicanos. Este ritmo convivió con otras expresiones de la música latinoamericana, también muy populares por esa época en República Dominicana, como el corrido mexicano, el huapango o el pasillo, entre otros.

La música popular de los tríos románticos, cuartetos, conjuntos y solistas de países como México, Cuba y Puerto Rico, entre otros, constituyó una fuerte influencia en esos músicos populares dominicanos que iban desarrollando su oficio en las zonas marginales de Santo Domingo y otras ciudades, a comienzos de los años sesenta. Esto permitió articular una expresión musical propia de la República Dominicana a partir de los años sesenta.

Sociología de la bachata

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La bachata, al igual que el tango y otras expresiones musicales de Latinoamérica, reproduce la melancolía y el ánimo de amar, combinando la pasión de amor y desamor con la nostalgia del migrante que, en el caso dominicano, es una migración del campo a la ciudad. En la bachata, la nostalgia en la expresión musical coincidió con el período de crecimiento de la cultura suburbana proveniente de la migración rural-urbana que se dio a partir de 1962. En ese período a la bachata se le conoció como «música de amargue», por esa evocación nostálgica.

Baile

El movimiento básico del baile es una serie de pasos simples que produce un movimiento de adelante para atrás, o de costado a costado.

Un posible esquema sería el siguiente: con el pie derecho se hace un chassé hacia la derecha, en 1, 2 y en el 3 se debe acercar la punta del pie izquierdo al pie derecho (alternando, golpeando ligeramente la punta del pie izquierdo en su lugar, o sea, aparte del pie derecho, se debe hacer un movimiento para arriba con la cadera izquierda). Luego se hace lo mismo pero empezando con el pie izquierdo.

Etimología

A comienzos de los años veinte en Cuba, el término «bachata» se usó para definir un tipo de reunión social festiva. Etimológicamente, la palabra bachata es de origen africano y designa la juerga, el jolgorio y la parranda, según Fernando Ortiz Fernández.[cita requerida] La bachata era sinónimo de recreación

popular, de fiesta de patio o de la calle, y esto la vincula con su antecedente africano. Por otro lado, su vinculación con España la notamos en el fandango, manifestación cultural a la que en palabras de Marcio Veloz Maggiolo "Casi todos los cronistas que tocan este tema lo refieren a una festividad abierta y no a una música".[cita requerida]

En Santo Domingo, la referencia más antigua acerca de la bachata como nombre para designar fiestas de cualquier tipo de música ―y no como género musical―, se encuentra en documentos que datan de 1922 y 1927. El informe de 1922 se refiere al hombre común del poblado de Sabaneta, en la Línea Noroeste. Este hombre encuentra en el pueblo




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POP

POp

La música pop (del inglés pop music, contracción de popular music) es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años 1950 como una derivación del rock and roll, en combinación con otros géneros musicales que estaban en moda en aquel momento.1 2 Los términos música pop y música popular se usan a menudo de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido más amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que se consideren populares.

Como género, la música pop es muy ecléctica, tomando prestados a menudo elementos de otros estilos como el dance, el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk. Con todo, hay elementos esenciales que definen al pop, como son las canciones de corta a media duración, escritas en un formato básico (a menudo la estructura estrofa-estribillo), así como el uso habitual de estribillos repetidos y de temas melódicos y pegadizos. La instrumentación se compone habitualmente de batería, bajo, guitarra eléctrica, voz, teclados, etc. 

Definición

Michael Jackson, uno de los cantantes pop con mayores ventas de todos los tiempos, apodado el «Rey del pop».4 5
El Diccionario de la lengua española define «pop» como «un cierto tipo de música ligera y popular derivado de estilos musicales negros y de la música folclórica británica», siendo el término procedente del inglés pop, un acortamiento de popular (popular).6

Los autores y estudiosos de música David Hatch y Stephen Millward definieron la música pop como: «un cuerpo de la música, el cual es distinguible de la música popular, el jazz y la música folk».7

El término canción pop se registró por primera vez en 1926, usado en el sentido de una pieza musical «que tenga atractivo popular».8 A partir de la década de 1950, el término «música pop» se ha utilizado para describir un género distinto, destinado a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll.9 10 Según el musicólogo T. Warner, «a raíz del auge de los artistas británicos de la conocida como invasión británica,

alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al concepto de música rock, para describir una forma musical más comercial, efímera y accesible».11

Aunque la música pop es a menudo vista como orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock, sino que configura un género con una existencia y desarrollo separados.

Características

Los musicólogos suelen identificar una serie de características como típicas del género de música pop: un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de en obras extensas o álbumes; el objetivo de atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una sub-cultura o ideología; una preferencia por la artesanía por encima de cualidades formales artísticas; cierto énfasis en la grabación, producción y tecnología, antes que la actuación en vivo; y una tendencia a reflejar las tendencias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos.9 10 11 18

El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo de entre tres y cinco minutos de duración, generalmente marcada por un elemento rítmico constante y notable, un estilo afín a la corriente dominante, y una estructura tradicional y simple.19 Las variantes más comunes son la estrofa-estribillo y la forma de treinta y dos compases, con una especial atención a las melodías pegadizas y un estribillo que contrasta melódica, rítmica y armónicamente con la estrofa.20 El ritmo y las melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico limitado.21 Las letras de las canciones pop modernas se centran típicamente en temas sentimentales o de la vida cotidiana, particularmente las relaciones amorosas, las experiencias personales y los temas sociales, entre otros.

La armonía de la música pop coincide con la de la tonalidad

europea clásica, utilizando a menudo los ciclos de subdominante-dominante-tónica, aunque también con influencias frecuentes de la escala de blues.





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MUSIC REGGAE

REGGAE

El reggae es un género musical que se desarrolló por primera vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el término se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de música jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el rocksteady.

El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de acentuación del off-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo del reggae es más lento que el del ska y el rocksteady.1 El reggae suele acentuar el segundo y cuarto pulso de cada compás, y utiliza la guitarra para poner o bien énfasis en el tercer pulso o para mantener el acorde desde el segundo hasta el cuarto. Es generalmente este "tercer beat", tanto por la velocidad como por la utilización de complejas líneas de bajo, lo que diferencia al reggae del rocksteady.

Etimologia

La edición de 1977 del Diccionario de inglés jamaiquino incluía "reggae" como "una expresión recientemente establecida para rege", equivalente a rege-rege, una palabra que podía significar tanto "trapos, ropa andrajosa" como "una pelea o riña".2 El término reggae con un sentido musical apareció tanto en Desmond Dekker (famoso artista jamaicano anterior a Bob Marley) como en el hit rocksteady de 1968 "Do the Reggay" de The Maytals, pero ya se utilizaba en Kingston, Jamaica, para denominar una forma más lenta de bailar y tocar rocksteady.3 El artista reggae Derrick Morgan expresa en este sentido:

No nos gustaba el nombre rock steady, así que probé diferentes versiones de "Fat Man". Cambió el ritmo, el órgano se utilizó para sorprender. A Byron lee, el productor, le gustaba. Él creó el sonido con el órgano y la guitarra rítmica. Sonaba como 'reggae, reggae' y ese nombre simplemente despegó. Byron Lee comenzó a utilizar la palabra (sic) y pronto todos los músicos estaban diciendo 'reggae, reggae, reggae'.4

El historiador del reggae Steve Barrow atribuye a Clancy Eccles la alteración del término patois streggae (mujer fácil), convirtiéndolo en reggae.5 Sin embargo, según Toots Hibbert:

Hay una palabra que solíamos utilizar en Jamaica llamada 'streggae'. Si una chica pasa y los chicos la miran y dicen 'tío, ella es "streggae"', eso significa que no viste bien, que se ve reggay (andrajosa). Las chicas dirían lo mismo de un hombre también. Esta mañana yo y unos amigos estábamos jugando y yo dije, 'vale tío, hagamos el reggay'. Fue solo

algo que me vino a la cabeza. Así que empezamos a cantar 'do the reggay, do the reggay' (haz el reggay, haz el reggay) y creamos un beat. La gente me dijo después que le habíamos dado al sonido ese nombre. Antes de eso la gente lo llamaba blue-beat y todo tipo de nombres. Ahora está en el Libro Guiness de los Records.6

Se dice que Bob Marley atribuía como origen de la palabra reggae un término de castellano para referirse a la "música del rey"

Historia del Reggae

El reggae se desarrolló a partir del rocksteady en los años 1960. El cambio del rocksteady al reggae es ilustrada por el empleo del shuffle en el órgano, cuyo pionero fue Byron Lee. Este rasgo ya aparecía en algunos singles de transición como "Say What You're Saying" (1967) de Clancy Eccles o "People Funny Boy" (1968) de Lee "Scratch" Perry. El tema "Long Shot Bus' Me Bet" publicado por el grupo The Pioneers en 1967 es considerado como el ejemplo grabado más temprano del nuevo sonido que pronto sería conocido como reggae.13

Es hacia comienzos de 1968 cuando los primeros discos de reggae genuino fueron publicados: "Nanny Goat" de Larry Marshall y "No More Heartaches" de The Beltones. El hit "Hold Me Tight" del artista estadounidense Johnny Nash de 1968 ha sido reconocido como el primero en poner el reggae en las listas de éxitos de Estados Unidos.

The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la transición a través de las tres etapas la primera música popular jamaiquina: ska, rocksteady y reggae. Otros pioneros reggae incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker y Jackie Mittoo.

En el desarrollo que llevó el ska hacia el rocksteady y posteriormente al reggae, fue fundamental la contribución de varios productores jamaiquinos. Entre los más importantes están Coxsone Dodd, Lee "Scratch" Perry, Leslie Kong, Duke Reid, Joe Gibbs y King Tubby. Chris Blackwell, que fundó el sello Island Records en Jamaica en 1960, se mudó a Inglaterra en 1962, donde continuó promocionando la música jamaiquina. Se alió a Trojan Records, fundado por Lee Gopthal en 1968. Trojan publicó discos de artistas reggae en UK hasta 1974, cuando Saga compró el sello.

En 1972, la película The Harder They Come, en la que actuaba Jimmy Cliff, generó un considerable interés


Bob Marley.
y popularidad para el reggae en Estados Unidos, y la versión de Eric Clapton en 1974 del tema de Bob Marley "I Shot the Sheriff" ayudó a llevar el reggae al mainstream.14 Hacia mediados de los años 1970, el reggae recibía un considerable espacio en la radio inglesa, especialmente gracias al programa de John Peel. Lo que se conoció después como la "edad dorada del reggae" corresponde aproximadamente al apogeo del roots reggae.

En la segunda mitad de los años 1970, la escena de punk rock de Gran Bretaña comenzaba a formarse, y el reggae fue una importante influencia para ello. Algunos DJs de punk ponían canciones de reggae durante sus sesiones y numerosas bandas de punk incorporaron estas influencias reggae en su música. En Inglaterra el Reggae se expandió gracias a la nueva inclusión del género en la música de The Rolling Stones con mayor influencia desde 1974. Al mismo tiempo, el reggae comenzó una cierta recuperación en Inglaterra en los años 1980 abanderada por grupos como Steel Pulse, Aswad, UB40 y Musical Youth. Otros grupos que recibieron interés internacional a comienzos de los 1980 fueron Third World, Black Uhuru y Sugar Minott.

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Musica De Banda

SU HISTORIA

La Banda Sinaloense o Tambora Sinaloense es un tipo de ensamble musical, de género musical tradicional y popular, el cual es culturalmente establecido a principios de los años veinte en el

Estado de Sinaloa, región noroeste de México. Es un género con remanentes europeos al estilo organológico de la Fanfarria europea, sin embargo, como muchas otros ensambles de viento tradicionales en México, interpreta un repertorio variado en las formas musicales, en el que predominan sones tradicionales, rancheras, corridos, polkas, valses, mazurcas, chotis, todo ello adaptado a la sensibilidad de los habitantes de esta región mexicana; además de música popular como balada romántica y cumbia.

Origen

Banda sinaloense de principios de 1900
A finales del siglo XIX, en todas las regiones de México existían ensambles de instrumentos de viento, que tocaban en regimientos militares, fiestas de pueblo y procesiones religiosas, añadiéndose a los ensambles los últimos instrumentos de aleaciones de metal en la segunda mitad del siglo XIX cuando a aproximadamente en la década de 1840, se desarrollaron los últimos instrumentos de aliento con los mecanismos que posteriormente fueron insignes para las bandas de viento, tomando en consideración el tiempo que tardó su llegada y comercialización en México; se calcula que el último en tener afianzamiento organológico en las bandas y en las orquestas fue la Trompeta ya con su mecanismo de pistones, a mediados de la década de 1880. Es en estas fechas cuando empiezan a surgir en algunos pueblos de Sinaloa, especialmente los de la zona serrana, donde tenían integrada su propia banda de música, en donde se usaban bombardinos y tubas afinados en la escala de mi♭ e incluso saxofones entre otros instrumentos lo que originó el surgimiento de "bandas orquestas" que en la ciudad solo eran para la élite social, sin embargo, en el resto de las localidades se usaba el rústico sonido instrumental donde los instrumentos eran más escasos. La particular geografía del estado de Sinaloa, ubicado entre el mar y la sierra, y con difícil acceso al resto de México, permitió que diversos ritmos de origen europeo se mantuvieran vigentes entre la población rural.

El particular sonido de la banda sinaloense es muy similar al de las bandas de viento alemanas y francesas, en lo cual radica la diferencia en la ejecución musical de las bandas del centro-norte de Sinaloa y al sur de este estado. En la zona centro-norte, el fraseo musical es más ligero y matizado, un estilo más occidental europeo y en en el sur, el estilo tiene un fraseo muy marcado y un poco

menos matizado en la ejecución, algo más influenciado por el estilo bávaro alemán, lo que hizo que diversos investigadores, ubicaran su origen en estas regiones, sobre todo al considerar la intervención extranjera en el estado y de que en Mazatlán a principios de siglo estaba habitado principalmente por inmigrantes alemanes. Sin embargo, la etnomusicóloga suiza Helena Simonett explica que las primeras bandas sinaloenses se formaron por gente que desertaba de las bandas militares y las municipales y se iba a vivir a los pueblos serranos, añadiendo así crédito a los fundadores sinaloenses, que con la influencia rítmica Mayo-Yoreme han contribuido a su esencia.1 A pesar de todo, no existe una concordancia histórica, que sitúa la influencia musical con fechas anteriores al auge comercial alemán de mazatlán (1870-1890), pues no solo se trataría de la distribución de instrumentos por medio de la comercialización, sino que también era requerida una divulgación cultural que solo podía darse en una relación estrecha entre los individuos portadores de tales tradiciones y los pobladores de la región, y esa circunstancia sólo se dio en Mazatlán. Es por esto que se refuerza la teoría de influencia francesa y española sobre la influencia alemana en otras regiones de Sinaloa, pues el desarrollo de la música de tambora sinaloense tiene registros y antecedentes anteriores en lugares lejanos de la sierra de Sinaloa donde no existió la influencia alemana, sin embargo, sí influencia francesa post-guerra de intervención, así como los remanentes culturales españoles. Así también la evidencia de la conformación organológica de las primeras agrupaciones mazatlecas y las agrupaciones del resto de Sinaloa, por ejemplo: La Banda El Recodo de Cruz Lizárraga de 1938 que tenía una marcada influencia alemana en su estilo de ejecución, con su instumentación que incluía instrumentos de cuerda, en constraste con La Banda Los Tacuichamona de 1888, La Banda Los Sirolas de Culiacán (1920) y La Banda de Los Hermanos Rubio (1929) de Mocorito, cuya integración instrumental eran exclusivamente de instrumentos de aliento y percusión al estilo Galo-Ibérico de la fanfarria, así como también su ejecución.

Durante la primera mitad del siglo XX, Mazatlán experimentó el afloramiento musical del estilo de música alemana, agrupaciones como El Son Tropical Mazatlán (1949), donde también formaba parte Cruz Lizárraga, exponían fuertemente la influencia alemana, la distribución instrumental incluía instrumentos de aliento, cuerda y percusiones (Clarinete, acordeón, congas y guitarra) así como también el uso del acordeón que es un indiscutible elemento de la música Bávara, aún a finales de siglo, era posible apreciar en la ciudad agrupaciones de tinte norteño con instrumentos de aliento como lo eran Los Noreños de Mazatlán, al parecer la Banda El Recodo estuvo influenciada por esta corriente al integrar guitarras en su distribución organológica original, y su estilo de acompañar la secuencia armónica y rítmica con la Tuba. Estas comparaciones y el análisis es posible por medio de las grabaciones y registro

fotográfico que aún existe. Sin embargo, las influciencias musicales son definidas por su instrumentación y no es un fenómeno estático, por lo que la Banda El Recodo ha declarado recientemente que en años posteriores decidieron optar por la organización instrumental de la zona Norte-Centro de Sinaloa, (la cual desde su principio no había integrado instrumentos como el acordeón, ni instrumentos de cuerda) donde la Banda Sinaloense ya estaba establecida tradicionalmente con influencias musicales anteriores a las alemanas.[cita requerida]

Es bueno considerar el hallazgo de instrumentos antiguos relacionados en todo Sinaloa que datan de la época de la Intervención Francesa (1862-1867) de fabricación europea que pudieran contribuir a un establecimiento cercano, referente al inicio y los anales de este género, y aunque solo llegaron algunos de ellos, no se puede poner una fecha de conformación concreta, puesto que algunos instrumentos que son elementales para la designación del género, aún no estaban desarrollados completamente é inclusive, algunos contaban con pocos años de su invención. Por lo tanto proponer una fecha anterior o fijar un origen de facto en otro lugar, significaría una inconsistencia histórica.[cita requerida]

Sin embargo por su falta de exactitud, no se ha tomada como real, pero existe la leyenda de una comitiva francesa que huyó a la zona alta de la Ciudad de Culiacán después de la batalla de San Pedro, y se necesita un estudio especializado, en los descubrimientos de uniformes y armas francesas enterradas en la zona de Colinas de San Miguel y la existencia de un clarinete de metal, encontrado durante la construcción de la Iglesia de Santa Cecilia en la colonia Rafael Buelna, y este clarinete se encuentra incrustado en el altar de la iglesia, mismo que data de la época, así como la existencia de instrumentos antiguos, de fabricación alemana y clarinetes con laminillas de plata en la boquilla, propiedad de algunas personas originarias de San Pedro, Navolato, así como el dato de músicos y soldados argelinos que pasaron por la tierra sinaloense. Aunque se plantea la teoría de que el general Antonio Rosales introdujo la tambora a Sinaloa; sin embargo, esto no está demostrado de manera antropológica ni arqueológica, ni se han encontrado registros de contribuciones relacionadas al ámbito musical.

Incluso, existe la hipótesis de la introducción de este estilo en 1868, por parte de la comitiva que acompañaba al general Rosales, mas los hechos históricos ubican que para ese entonces el General Antonio Rosales había fallecido.

La versión popular adoptada es la relatada por el cronista e historiador Miguel Valadés Lejarza, quien afirmó que la Casa Comercial Melchers, propiedad de Jorge y Enrique Melchers, promovió el uso de los instrumentos para la popularidad del estilo y seguir comercializando con ellos.

La versión menos comercial y sin embargo, la más popular entre los músicos de la zona centro del estado es la consignada por el músico y director de bandas Manuel Flores Gastelum, quien afirmó con el apoyo de sus investigaciones y deducciones, que la Banda de Tambora sinaloense tenía orígenes franceses. Mencionó la presencia en México del ejército de Aquiles Bazaine y de sus bandas militares, y también la notable influencia que la música y la cultura francesa ejercía en el Presidente Porfirio Díaz, ordenando éste, la creación de Bandas de Música en las capitales de Estado, las que ofrecían audiciones en las plazas públicas. También afirmó que las versiones anteriores como las de Eustaquio Buelna, que mencionan "bandas de música" en los ejércitos nacionales, hacían referencia a bandas de guerra comunes y sencillas.

Una forma de entretenimiento común, era ver en los pueblos a las bandas que amenizaban los eventos públicos y privados, donde los músicos eran personas que por lo general tenían otra profesión, como en el caso de la Banda Minera de Guadalupe de Los Reyes, Cosalá cuyos integrantes se congregaban para la orquestación de la Banda. Según lo indica en su libro "Música de Viento" el historiador sinaloense Herberto Shinagawa Montoya, una de esas bandas fue la Banda Los Tacuichamona, fundada en 1888 por el músico Ramón Álvarez Martínez, y sin embargo no fue hasta 1918 cuando se instituyó la primera banda sinaloense en una ciudad y fueron Los Sirolas de Culiacán, fundada por Alberto Ibarra, a su vez, posteriormente siguiendo con el legado familiar, Guadalupe Castro Ibarra, también fundador y primer director de la orquesta de la Universidad Autónoma de Sinaloa, quien su propio abuelo, Alberto Ibarra también fue el fundador de la Banda Los Alamitos; Una Banda con antecedentes prerevolucionarios, y el padre de Guadalupe Castro Ibarra: Aristeo Castro, también fungió como cabeza de los Sirolas por aquellos tiempos, existiendo un origen común y una línea muy tenue entre la orquesta y la banda. Guadalupe Castro Ibarra también fue miembro de la Banda Los Embajadores del Ritmo de Culiacán, Los (Nuevos) Guamuchileños, Banda Los Muñóz y La Banda Ejidal de Culiacán. Guadalupe Castro Ibarra entró a la banda Los Sirolas a la edad de 12 años, tomando las riendas de esa institución musical en el momento del fallecimiento de su padre Aristeo Castro, en 1943. Partiendo de este práctico formato, muchas otras agrupaciones definieron su conformación y su estilo. A partir de entonces, muchas bandas la tomaron de precedente, como fue el caso registrado de la Banda El Recodo, quedando también en relevancia la banda contemporánea de Severiano Moreno, quién desde El Rosario se inició en la música de orquesta tocando la Flauta y el violín, sin embargo durante la revolución, subió a las tierras del centro de Sinaloa con una agrupación que también consistía en un orden similar a la de Ramón Álvarez y a la del "Sirola"; Severiano Moreno también fue compositor de muchas piezas y marchas que contribuyeron al repertorio de la Banda sinaloense y la música de la llamada localmente "Banda Orquesta", como son: Morena, Cuanto Te Quiero, Vals Maby, entre otras. Es por estos antecedentes que, aunque se considere un resultado de influencias extranjeras, su importancia histórica, su esencia y tradicionalidad, son factores que la hacen distintiva del pueblo del Estado de Sinaloa desde finales del siglo XIX hasta el siglo XXI.


El primer divulgador de la banda sinaloense fue el cantante Luis Pérez Meza quien, aprovechando su fama, organizaba caravanas con las que recorría México acompañado por mariachi y bandas. Después de décadas de esfuerzo, este cantante logró por primera vez llevar una banda a Estados Unidos para acompañarlo a una presentación en el Million Dollar Theater de Los Ángeles en septiembre de 1962 y se trataba de la banda El Recodo.


Instrumentación
El ensamble se caracteriza en la actualidad por la presencia de instrumentos de viento (de origen europeo, excepto la tuba sousáfono que es un instrumento modificado morfológicamente en Norteamérica)aunque en la actualidad se utiliza dicho instrumento, los registros fotográficos constatan que desde su origen hasta mediados del siglo XX se empleaba la Tuba clásica, llamada tuba de pecho, apoyadas con instrumentos de percusión (como el membranófono denominado tambora -de donde viene el nombre popular del ensamble-) La instrumentación básica de la banda sinaloense está formada por:

Sousafón o tuba, llamada "tuba de pecho" afinada en Si♭
Uno o dos saxores altos, denominado popularmente charcheta o cococha. Generalmente el mismo ejecutante del saxor alto utiliza idiófonos para el acompañamiento rítmico.
Clarinete transpositor en Si♭.
Trompeta en si♭.
Trombón tenor de pistones o válvulas afinado en la escala de do. Al principio solo se utilizaban dos de cada ejemplar para su uso práctico, sin embargo, se aumentó a 3 para hacer la armonía de las voces más completa.

Bombo o Tambora común de 18 a 22 pulgadas de diámetro, hecho de madera de guásima con cuero de chivo y se le anexan, dos platillos de 14 a 16 pulgadas, usados por un mismo ejecutante.
Caja o tarola, un tambor militar redoblante.
En la actualidad la instrumentación correspondiente a los idiófonos y en las percusiones se deja a discreción del ejecutante.


Tarolas -de origen cubano; en un principio se usaban redoblantes y toms.2


Evolución
Según cuenta el maestro "Ferrusquilla", la popularidad comenzó cuando Mariano Rivera Conde, originario de La Noria, Mazatlán, y también esposo de la compositora Consuelo Velázquez, fungiendo como vicepresidente de la RCA Victor, extendió contrato de grabación a "Ferrusquilla", posteriormente abriendo camino a Los Guamuchileños de Romeo Zazueta y a Cruz Lizárraga con la Banda El Recodo.

Estas primeras grabaciones con banda sinaloense datan de principios de los años 50 y fueron realizadas por Los Guamuchileños en 1952, Los Tamazulas de Culiacán con Discos Azteca en 1953, gracias también a la labor de Enrique Peña Batiz, un orador divulgador de la Banda Sinaloense quien llevó a los Guamuchileños a la ciudad de México en 1952, luchando a lo largo del tiempo por instituir un Día de la Tambora hasta su muerte el 15 de junio de 1998, siendo uno de los impulsores de la primera grabación de Banda Sinaloense. Después la segunda grabación se presentaría por parte de la banda El Recodo en 1958. Pero estos primeros registros eran solamente instrumentales, pues para cantar con banda sinaloense en la época comprendida entre los años 40-60 era necesaria una voz potente y educada como la de Luis Pérez Meza, el mismo que interpretó las creaciones más populares del maestro Francisco Terriquez: El Quelite (Inspirada en Chana Nuñez, una mujer de El Quelite, Mazatlán, con la cual nunca se casó), La India Bonita y El Sauce y la Palma; Aunque después algunas fueron registradas muy posteriormente por terceros.

Sin olvidar las aportaciones de conservación musical y divulgación, que tuvieron en el ejercicio artístico, las bandas y músicos durante el siglo XX y otros que aún, en el siglo XXI se mantienen en el trabajo de la música, como Los Hermanos Rubio de Mocorito, Banda Los Escamilla de Mazatlán, La Antigua Banda de los Tacuichamona, Banda de Alberto Ibarra de San Pedro, La Banda de Pedro Álvarez de Culiacán, Banda Sinaloense de los Hermanos Quiñones, Banda Los Tamazulas de Culiacán, Banda Ahome, Banda Los Mochis de Porfirio Amarillas, Banda Ejidal de Culiacán, Orquesta Muralla, La Orquesta de Miguel C. Castro autor de "Por qué lloras" y su dinastía en Guasave, Banda Orquesta de Salvador "Cachi" Anaya, Orquesta de Nacho Millan y sus Vagos, el Guanajuatense Ángel Viderique - quien fue director de la Banda Sinfónica del Estado, formada con alumnos del internado, y también maestro de Manuel Flores Gastélum "Chino Flores" -, Banda Orquesta de los Hermanos Borrego, Orquesta de los Rivas (misma donde tocó Enrique Mora Andrade), Banda de Don Pánfilo de los Palos, La Orquesta de Toño Aguirre, Banda Guamuchil de Felizardo "Chardo" García Rojo, la banda de Javier Vidriales, la de "Cheche" Sánchez de Mazatlán, Inocencio Palazuelos, Conrado Solís y su banda de Navolato, Nango Sánchez de Ixpalino, Banda Centenario de Cosala, Los Embajadores del Ritmo, Isidoro Ramírez "El maestro de las Bandas", Alberto "El palito" Zataráin Zamudio, Banda Maravilla de El Verde, Sebastián Sánchez, La Orquesta de Delfino Infante (Padre de Pedro Infante), Banda Petatlán, Luis Ibarra de Guasave, Pedro Álvarez, Octaviano S. Millan, Tirso Robles y Pancho Mena de los Mochis, Banda Orquesta de los Hermanos Meza, Banda Clave Azul de Mocorito, Banda Hermanos Urias, Los Texanos de Tepuxta, Banda Hermanos Aramburo, Banda El Limón, Banda Lizárraga Musical de Mazatlán, Banda Culiacán, Banda Los Coyonquis, Banda Sarao, Banda Los Porteños de Badiraguato y la Banda El Recodo de Manuel Rivera. Sin olvidar a José Ángel "Ferrusquilla", Espinoza Aragón, Severiano M. Moreno y Enrique Sánchez Alonso "El Negrumo", entre otros.

Fue hasta después de los años 80 - a la muerte del Trovador del Campo -, que surgió una nueva generación de cantantes quienes, apoyados por modernos recursos tecnológicos, dieron un nuevo impulso a la banda sinaloense, para entonces ya conocida en todo México y el sur de Estados Unidos. Entre ellos se puede mencionar a Antonio Aguilar y al "Gallo" Elizalde. Cruz Lizárraga, considerado como el más grande divulgador de este género en México y el mundo, así como su hijo el maestro Germán Lizárraga, fueron los abanderados y la punta de lanza en el desarrollo y la evolución cultural de este género por toda la segunda mitad del siglo XX.

Con el tiempo, a través de una fusión rítmica ó lírica la banda sinaloense se ha ido combinando con otros géneros musicales, incluyendo balada, bolero, ranchera, mariachi, norteña, pop y cumbia. Una de las grandes reformas al estilo de tocar banda se le debe a Juan Carlos Abara, productor musical chileno que como director musical, logró posicionar este género dentro de la música de banda y con ello, revitalizar a la Banda El Recodo.

El hecho de que en el gran repertorio se localicen piezas de otras regiones de México se debe a la singular característica que aún predomina en el estilo de la música regional: tomar piezas del agrado de visitantes o de "moda" y adaptarlas al estilo regional. En el estilo sinaloense se encuentra muy arraigado el interpretar piezas de difícil ejecución provenientes de otros lugares del país, como sones jarochos o sones de la Tierra Caliente, así como de otros países. Un ejemplo muy claro es "El Cafetal", de origen colombiano y que originalmente lleva por nombre "Mi Cafetal"; esta pieza, al igual que "El Manicero", ha sido integrada al repertorio tradicional.

A finales de los años 80 surgió la technobanda, que prescindía de algunos instrumentos tradicionales (trompetas, trombones, percusiones, batería) para reproducir electrónicamente un sonido similar. Destacan en esta época agrupaciones como Banda Vaqueros Musical, Banda Machos, Banda Zeta, Banda Maguey, Banda Jabalí, Students Band, Los Sinley, Banda Brava, Banda La Mentira, Banda Móvil y Banda Camino, que popularizaron un ritmo llamado "quebradita", producto de la fusión de cumbia y cumbión con banda sinaloense. Sin embargo, no dejaron de compartir público con las bandas de instrumentación original como la banda El Recodo de Cruz Lizárraga, La Original Banda El Limón, Los Recoditos, La Costeña, y otras.

De esta época proviene la tercera generación de cantantes reconocidos por acompañar su voz con banda Sinaloense, aunque su repertorio está definido más bien por exigencias mercadotécnicas: José Ángel Ledezma "El Coyote" y su Banda Tierra Sa ttyy nta, Valentín Elizalde, Julio Preciado y su Banda Perla del Pacífico, Lupillo Rivera y su Banda Vientos de Jalisco, La Arrolladora Banda Limón de René Camacho, todos dentro de un género musical ambiguo denominado "grupero" que abarca a grupos norteños, bandas sinaloenses, technobandas y grupos duranguenses.

Como reciente labor de divulgación cultural, con ayuda de la tecnología, se menciona el trabajo realizado por la Banda Sinaloense MM (institución artística intangible), explícito trabajo de calidad musical y comercial.

La popularidad comercial de la música de banda también ha favorecido la propagación del estilo y la instrumentación en otros rincones más alejados del noroeste mexicano. Por ejemplo, existe el caso de los Gemelos Valenzuela, que en un proyecto comercial-cultural y con el fin de dar un toque más popular a la música de banda, decidieron fusionar la instrumentación sinaloense con el estilo bravío del tamborazo. Aunque existen instituciones musicales dignas de admiración que se resisten a fusionar los estilos integrales regionales con otros, para así preservar el modo y la sonoridad auténtica de las agrupaciones nativas de dichos estados, el interés comercial ha sobrepasado el valor patrimonial de la rica música autóctona regional mexicana. En los últimos años ha tenido establecimiento académico, instituyendose en la región del noroeste mexicano, en especial en la ciudad Mazatlán escuelas que enseñan el género bajo programa curricular, de las cuales se obtienen títulos académicos que licencian el trabajo de ejecutante o instructor técnico en Banda Sinaloense en el estado de Sinaloa, se cuenta con el contenido pedagógico reglamentado sobre el estudio de este género. También; aunque no de forma especializada a nivel secundaria, es considerada dentro de los contenidos en los libros de texto correspondientes a la materia de educación artística aprobados por la Secretaría de Educación Pública.

He aquí que la propagación del estilo sinaloense, recientemente ha sustituido mucha de la rica variedad instrumental de otras bandas de viento originales que también cuentan con un estilo y sonido característico.


Entre otras... Aunque muchas Bandas con la organología de la Banda sinaloense, pretendan usar este nombre, el ejercicio profesional de las mismas, tanto sus grabaciones como sus años de experiencia repertorio, y su instrumentación, son el concluyente para denominar una Banda sinaloense desde su origen; Pues muchas bandas que anteriormente fueron Tecnobandas como, La Cuisillos y la Pelillos, hacían uso de instrumentación ajena al género tradicional. Bandas sinaloenses existirán muchas y seguirán formándose por todo México gracias a la comercialización del género, sin embargo, el repertorio y su modo de ejecución será siempre el símbolo que denomine a una banda musical con el nombre de "Sinaloense", y se distinga del sonido muy auténtico y rico de otras bandas mexicanas, como lo son: "El Tamborazo Zacatecano", "Frijol con Hueso", "Banda músical del Bajio", "Banda de Viento Michoacana", "Banda Tradicional Oaxaqueña" y la "Banda de música Morelense".

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Música Norteña De MÉXICO

HISTORIA

EL ACORDEÓN

• Empezaré tratando de describir este instrumento que en su modalidad de botones se ha convertido en algo distintivo de nuestra música mexicana en el área nordestense, Tamaulipas, Nuevo León y Coahuila que junto con el bajo sexto el tololoche y una "tarola" conformaron el tradicional "Fara Fara" de música norteña.

• Encontramos así un instrumento que tiene un fuelle que está cerrado por cajas de madera. La parte de la mano derecha del acordeón tiene teclas redondas llamadas botones. La parte de la mano izquierda tiene botones para tocar los bajos y acordes de acompañamiento, botones que raramente se usan exceptuando los virtuosos del acordeón que lo tocan solos sin acompañamiento.

• Aunque muy distintivo de nuestra música norteña en México es un instrumento que es y ha sido muy popular en países como:- El País Vasco, Navarra, Asturias, Cantabria y el norte de Castilla (España),París (Francia), Europa Central (Alemania, Austria), Colombia, Panamá, Noreste de Argentina y República Dominicana por su vinculación con el folklore. Y hay entre otros por ahí un instrumento hermanado al acordeón llamado Bandoneón. Utilizado en Argentina y Uruguay (Un tango sin bandoneón no suena a tango decía el Che Sareli cantor de tango mexicano de allá por los 50´s).

EL ORIGEN DE EL "FARA FARA" EN MEXICA

• Se dice que a mediados del siglo XIX los emigrantes alemanes que montaban vías de ferrocarril en Texas trajeron de su país el acordeón de botones y la gente de origen mexicano adopto el instrumento y música de acordeón, primero interpretaron ritmos europeos como polkas y chotices, luego creaciones propias, ya en el siglo XX se popularizaron en el Valle de Texas los bailes con acordeón, que se complementaban con el bajo sexto. (Guitarra de 12 cuerdas).

• Se dice que los mexicanos que mas visitaban Texas para ir por temporadas a trabajar en los campos de algodón y labores del campo fueron gente de Linares, Montemorelos General Terán, China, Los Ramones, Reynosa y otros puntos cercanos entre sí, de ahí fue como la cultura musical del acordeón se extendió en el noreste de Mexica llegando o proviniendo de Texas.

• Se cuenta también que los técnicos alemanes que vinieron a Monterrey a armar la planta de cervecería traían acordeones de botones que tocaban en sus horas de descanso y que de ahí los obreros mexicanos aprendieron a conocer y tocar este instrumento.

EL VITUOSO DEL ACORDEON MÁS GRANDE DE TODOS LOS TIEMPOS

• Al preguntarle a un cantante de norteño (Lalo Mora) alguna ocasión sobre quien o a quien consideraba el virtuoso más grande del acordeón de todos los tiempos, me respondió EL QUE LO INVENTO Después me explico lo siguiente, comento Hay muchos famosos y esto es cuestión de gustos, aquí el asunto es que además de virtuoso sea original y dueño de un propio estilo, menciono que todos los que ejecutan el acordeón profesionalmente son indudablemente buenos y que Monterrey es gran cuna de acordeonistas muy buenos.

• Extendió mas sui explicación al decirme que al público le gusta que chille que suene, que se escuche alegre, sentimental, festivo, de acuerdo a lo que se esté tocando, al publico le gusta que se escuche bonito en si el acordeón simplemente.

• Las etiquetas de quien es el mejor las damos los músicos mismos entre nosotros y resulta que hay muchos virtuosos, para nosotros maestros que no venden discos ni atraen gente en sus presentaciones y solo hay puros músicos viéndolos y admirándolos en sus conciertos.

• Los famosos o los reconocidos entre los mismos músicos como virtuosos para tocar este instrumento (en su género) son entre otros Paulino Bernal, Ramón Ayala Kiko Montalvo, Javier Ríos, Celso Piña, Beto Zapata, Socorro López, Juan y Rafal Silva, Tagupa, Juan Villareal entre los mexicanos y en otros estilos de texanos Mingo Zaldívar, Zamora por solo dar un muestreo.

EL ACORDEÓN EN OTROS PAISES

• Algunos de los ritmos y estilos tocados en acordeón, Chamamé en Argentina, Cumbia y Vallenato en Colombia, Cumbia en Panamá, Chansonen Francia e Italia, Norteña en México, Cueca en Chile, Zydeco en Louisiana (EEUU), Merengue en República Dominicana, Música celta en Irlanda y Escocia principalmente, Forró en Brasil etc.

¿QUIEN INVENTO EL ACORDEÓN?

• Existen datos de que quien registro el invento como acordeón en 1829,fue el austríaco Marck Muñichz, que debió abandonar sus derechos sobre el invento en 1835, debido a los notables avances a los que había sido sometido este instrumento.

• Aunque parece que el principio y el origen del acordeón viene de los instrumentos de lengüeta libre que está en los órganos soplados orientales, que se habían extendido por Rusia en el siglo XVIII, aunque no como instrumento popular., Y se habla de que esta base que sirvió para siglos después hacer el primer acordeón data de muchos siglos antes y que fue original de los chinos.
• En 1834 Foulón crea el primer acordeón cromático. La evolución del instrumento continúa y en 1854 Malhaús Bauer sustituye los botones por teclas, creando el "acordeón a piano", al que denominaban el "piano del pobre.

La Tuba

La tuba es el mayor de los instrumentos de viento-metal y sus antecesores son el serpentón y el oficleido. Es uno de los instrumentos más recientemente añadidos a la orquesta sinfónica moderna, aparecido en 1835 con Wilhelm Friedrich Wieprecht y Johann Gottfried Moritz, sustituyendo al oficleido del siglo XVIII. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). La primera vez que se utilizó la tuba moderna en una orquesta sinfónica fue en El anillo de los nibelungos de Richard Wagner.

Gracias a su versatilidad permite utilizarla para reforzar cuerdas y vientos de madera o, cada vez más, como instrumento para solos.

Las tubas también son utilizadas en bandas y en conjuntos de viento, en cuyo caso se utilizan dos instrumentos de cada una de las dos afinaciones: Mi♭ y Si♭. La tuba es un instrumento hecho principalmente de latón lacado, si estirásemos una tuba mediría alrededor de 7 metros y utiliza una boquilla de un tamaño aproximado de 2,4 cm y en forma de copa en su interior, las tubas pueden ser de cilindros o de pistones, los cuales agrandan en sonido, pero los cilindros aumentan la velocidad.

En manos habilidosas, es un instrumento capaz de cubrir un amplio campo de sonidos (más de 4 octavas) y extraordinariamente ágil.

Existen varias afinaciones dentro de las tubas; las más comunes son Fa, Mi♭, Do o Si♭.

La tuba más común es la tuba contrabajo, afinada en Do o Si♭.

El bombardino, también llamado tuba tenor, es otra octava más agudo. Afinado en Si♭ o en Do. En este último caso se denomina también tuba francesa

La tuba puede llegar a tener hasta seis pistones o válvulas (cuatro de digitación normal más dos de transpositores de medio tono y tono de afinación), aunque las más comunes son las que tienen cuatro. También se fabrican modelos de tres válvulas, aunque suelen ser para principiantes. Algunos modelos especiales tienen solo dos válvulas. Nótese que a pesar de tener tan reducido número de pistones, la tuba abarca un espectro tan amplio de sonidos porque con cada posición de los pistones se pueden tocar notas diferentes según la forma y fuerza de hacer vibrar los labios del instrumentista en cada cambio de pasaje o tesitura, respectivamente.

BAJO SEXTO

Origen y uso El bajo sexto tiene su origen, al igual que el bajo quinto, en el sur de México.1 La fabricación del bajo quinto tomó auge en el siglo XIX, en los estados de Guerrero, Michoacán, Morelos, Puebla, Oaxaca y Tlaxcala, entre otros.2

Foto de bajo quinto

Los también designados bajos de espiga (bajo sexto y quinto), descienden de las bandurrias y laúdes españoles que utilizaban cuerdas dobles y también se afinaban en quintas, tal vez para completar las armonías en ensambles que requerían de un instrumento capaz de dar las notas graves de la armonización de una melodía.

El bajo sexto y el bajo quinto son utilizados comúnmente en la música popular del norte de México, conocida como música norteña. La introducción del bajo sexto en la música popular del noreste es un fenómeno del siglo XX. Los ensambles de acordeón y bajo sexto sustituyeron a las bandas militares, que eran las que proveían la música bailable antes de la aparición de los fonógrafos y la radio. En menor medida se utilizan en la música tradicional de Oaxaca y Puebla.

Constitución y afinación

El bajo sexto tiene 12 cuerdas metálicas, agrupadas en 6 pares u órdenes. Los tres primeros órdenes de cuerdas se afinan en mi, la, re, con afinación de octavados en sus dos cuerdas (una de bajo y otra aguda), y los demás órdenes se afinan en sol, do y fa, siendo la afinación de cada cuerda de un par al unísono. Tiene una forma similar a la de una guitarra grande, siendo su caja de resonancia aproximadamente 30% más grande que la de la guitarra acústica. Su sonido es metálico y lleno. Se toca con una espiga o púa, aunque también se puede pulsar con los dedos.

El instrumento moderno cuenta con un característico resaque en la caja justo en la parte baja del brazo que sirve para tocar muchos adornos en las notas más agudas. Ejemplos de bajo sextos antiguos se pueden observar en las portadas de los discos de los 50s y 60s, como con Los Montañeses del Álamo; en ellas se puede ver un tipo de bajo sexto característico que aún no llevaba el resaque. Ha resurgido el uso del bajo quinto, ahora utilizado en música norteña (aunque proviene de la música sureña), en el cual se ha eliminado el sexto par de cuerdas ya que la mayoría de los ejecutantes casi no las utilizan y éste lleva siempre el resaque, incluso a veces también en la parte superior (doble resaque).

Uso

Se utiliza principalmente para llevar los acordes, -la armonía- de los conjuntos norteños (compuestos de acordeón, bajo sexto, contrabajo o tololoche, o bajo electrico, batería o tarolas) y para tocar la armonía y el bajeo, en los tradicionales duetos "fara fara" (compuestos de bajo sexto y acordeón). Las principales formas musicales que se ejecutan son: corrido, ranchera, polka, schotís, huapango, cumbia y redova. Aunque cuenta con toda la gama cromática de sonidos pocos intérpretes se han aventurado más allá de estos estilos.